人体艺术张(共8篇)

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人体艺术张（一）:

个人艺术摄影的见解 作文

当今中国艺术摄影的题材非常广泛。可以说，西方艺术摄影的所有题材，几乎都有中国摄影家在拍摄。然而，在对中西方摄影艺术史上各占主要地位的题材进行审视时，我们会惊奇地发现，二者的差距竟是如此之大。西方摄影主要内容是拍摄人（肖像、人体、纪实）。特别是人体摄影有其艺术传统。西方摄影史上，在摄影术发明不久，达盖尔银版照片就有人体题材。被誉为‘吃术摄影之父”、《人生的两条道路》的作者奥斯卡·雷兰德堪称人体摄影领域的先驱。尽管人体摄影艺术的风格和流派的更迭、流变，但其势常盛不衰。而在中国，人体摄影长期以来一直不能成为摄影家创作的主题。二十世纪三十年代有骆伯年拍摄的《汲瓮》、郎静山的《凝思》，此后人体摄影潮涨潮落。而社会上对人体摄影的理解程度，固然与中国特有的文化背景、民族传统有关，更与时代的风气有关。另一方面，在中国，风光摄影在艺术摄影活动中，成为数量最为庞大、地位最为显赫的摄影主流。与此产生反差的，西方摄影史上，风光摄影却从未占有过重要的地位。鲍昆认为：‘哪使是被公认为风景摄影大师的安塞尔·亚当斯，在其摄影实践中，恐怕对他最为重要的还是对于‘区域曝光法’的研究，和如何利用这种方法更好地表达自我与自然的沟通。对于摄影技术特性的痴迷和膜拜，使他的艺术明显地区别于我们现在所谈的风光摄影。”也许我们选取的题材不同，但是不可否认的是摄影是一门艺术，摄影家都是同等的对待。摄影之所以被称为一门艺术，就是因为它需要的是一颗平静的心，任何浮躁与虚荣都是要不得的。
我相信，虽然进入了数码时代，但摄影的基础知识还是需要掌握的。我看来，既然接触摄影，要学会看懂五本书。
第一本要认真看的书，当然是产品说明书！在摄影论坛里，如果有人问产品说明书上本来很醒目的答案，是会遭到痛殴的。你只有在充分了解产品和基本操作的情况下，才能谈得上发挥系统的优点。也只有这样，相机才能真正成为你的工具。

第二本要看的书，是《纽摄》。是的，很多人说，纽摄老了，没错，纽摄是老了，老了就抽抽了，抽抽得只剩下精华了。人们对照片有不同的追求，咱们不说，追求亮丽明快，或许纽摄不适合，但我看来，它仍然是摄影圣经。开篇三个要求，主题、主体、简洁，自始至终都是我们评判片子的依据。看明白了纽摄，相机就会成为你的左右手。你会开始为光影而喜悦，为色彩而快乐。
第三本要看的书，就是感情。太浮躁的人是用不好相机的，因为他看见的只有服装和表情，他拍到的是漂亮或者丑陋，而不是喜欢或者厌恶；拍到的是笑容或者眼泪，而不是快乐或者悲伤。那样拍的片子，我们叫快门机器。单纯拍片子不是摄影，更不是艺术，摄影是藏在片子后面的感情！很遗憾，大部分人都还在看这本书，我也是。但是知道了方向，我想我们会突破的。等到突破了这一步，相机就能成为你的感情，你能很容易在打开一张片子的时候，迅速回到当时的现场，伴随一杯茶，半包烟，和一个宁静的下午。
第四本要看的书，是人生。太年轻的人也是无法理解摄影的真谛的。没错，现在市场上的相机种类繁多，也不乏索一类的时尚机型，但是，如果把摄影定位成那种时尚，那就错到家了。摄影不是时尚，在这两个字后面蕴含着前辈们多少年的积累和精华，从取景框看出去，转动对焦环，在景物开始清晰的同时，你能隐约看见大师的身影飘然而过，翩若惊鸿，矫若游龙。镜头表达的，是你眼中的世界，是你对人生的理解。摄影大师们，在拍风光的时候，他会充满了敬畏；在拍花鸟的时候，他洋溢着喜悦，在拍人文的时候，他骨子里刻着悲悯。镜头便是人生，你的片子便是你对大千世界的理解，走到这一步，镜头就是你的伴侣，你已经感觉不出它的存在，但它确实开始融进了你的生命。
第五本要看的书，便是你自己的心。世间万事万物，其实都是你内心的投影，心无挂碍了，从此得了解脱，自在啊！那时，你不再以潮起潮落云卷云舒为意，繁华起伏，俱是浮光掠影，一头一机，从此笑傲江湖。信手拈来皆文章，摘叶飞花可伤人。。
相信只要努力不断创新，认真的对待，那么不久后爱好摄影的各位都可以成为了不起的摄影家。我们一起努力吧！

人体艺术张（二）:

科学与艺术的关系

科学和艺术
科学是运用范畴、定理、定律等思维形式反映现实世界各种现象的本质和规律的知识体系.科学源于社会实践,通过实践形成真理,同时科学又通过技术来转化为生产力.科学本质是社会意识形态,因此是对于科学精神或科学观念而言.
艺术是人类以情感和想象为特性的把握世界的一种特殊方式,它是人们现实生活和精神世界的形象反映,是艺术家知觉、情感、理想、意念综合心理活动的有机产物.艺术也是一种社会意识形态,它满足人们的审美需要,在社会生活尤其是人类精神领域内起着潜移默化的作用.
李政道将科学和艺术比喻为硬币的两面,密不可分.它们共同的基础是人类的创造力,追求的是真理的普遍性.英国博物学家赫胥黎曾在《科学与艺术》中形象地比喻说：“它们是自然这块奖章的正面和反面,它的一面以感情来表达事物的永恒的秩序；另一面,则以思想的形式来表达事物的永恒的秩序.”
科学与艺术都具有把握和反映世界的功能,它们都是人类精神的创造物,在这一点上具有共性.但是它们把握世界的方式和追求的目标又是不同的.
科学是理性和逻辑的,艺术是感性和唯美的
科学是客观规律,体现共性；艺术是审美体验,体现个性
科学是把事情做对,艺术是把事情做好．
科学是经济基础,艺术是上层建筑
科学可以模仿,艺术不能模仿
科学可以重复创造,艺术不能重复创造
科学遵循规则,艺术需要创造
在科学家和艺术家从事创造的过程中,无论是用理性方式把握世界,还是用审美方式把握世界,总是自觉或不自觉地在人的身上实现着感性与理性的统一,创造的主体都有强烈的求知和审美的欲望,在求索中会产生起于惊异的原始骚动,科学借助艺术的想象力可以突破固有的思维框架,实现概念的跳跃.艺术借助科学的幻想和理性可以突破感性的直觉,实现情感的跳跃.使艺术家的激情与科学家的理念合和为一,拓展出自然、人生和心灵世界的新空间,如同“庄周梦蝶”中出现的境界一样.
在科学家和艺术家从事创造的过程中,无论是用理性方式把握世界,还是用审美方式把握世界,总是自觉或不自觉地在人的身上实现着感性与理性的统一,创造的主体都有强烈的求知和审美的欲望,在求索中会产生起于惊异的原始骚动,科学借助艺术的想象力可以突破固有的思维框架,实现概念的跳跃.艺术借助科学的幻想和理性可以突破感性的直觉,实现情感的跳跃.使艺术家的激情与科学家的理念合和为一,拓展出自然、人生和心灵世界的新空间,如同“庄周梦蝶”中出现的境界一样.
对于艺术与科学的关系,处理得最好的,是列奥纳多"达"芬奇.他不仅以《蒙娜丽莎》倾倒世界,而且又是把科学与艺术贯通起来的物理学家、工程师、数学家.达"芬奇的才情汪洋恣肆,他以画家之名为世人所知,他绚丽的艺术家的光芒掩去了作为科学家、哲人的达"芬奇的形象.
达"芬奇艺术以科学为基础,他研究了人类身体的各种比例,右面一张图画的是他对人体的详细研究,而且图中标明了黄金分割的应用.这是一张他为数学家帕西欧里的书《神奇的比例》所作的图解,该书出版于1509年.
科学研究中充满了艺术,艺术创造中也贯穿了科学,因此科学和艺术是相通和相融的,只有这样才能够达到人类追求真理的最高境界.科学家与艺术家的相互合作,预示着法国文学家福楼拜说过,越往前走,艺术越要科学化,科学也要艺术化.两者在山麓分手,回头又在顶峰汇集.

人体艺术张（三）:

侧面描写的用法及例句
RT

主要的修辞手法有：\"对偶\"\"比喻\"\"拟人\"\"借代\"\"夸张\"\"排比\"\"反复\"\"象征\"寄寓 寄托等
修辞方式（\"对偶\"\"比喻\"\"拟人\"\"借代\"\"夸张\"\"排比\"\"反复\"\"象征\"寄寓 寄托）
1、 烘托：本是中国画中的一种技法,用水墨或色彩在物象的轮廓上渲染衬托,使物象明显突出.用于诗歌创作,指从侧面着意描写,作为陪衬,使所需要的事物鲜明突出.可以是人烘托人,如《秦罗敷》中借“行者”“少年”等的反应来烘托秦罗敷惊人的美貌,也可以是物烘托物,如“蝉噪林愈静,鸟鸣山更幽”、“僧敲月下门”“月出惊山鸟”等以闹衬静.更多的是物烘托人,如《琵琶行》中三次写江中之月,分别烘托了琵琶声的美妙动听、引人入胜和人物凄凉、孤独、悲伤的心情.
2、联想和想象：多为浪漫主义诗人所采用.如李白常把现实与梦境、仙境,自然界与人类社会打成一片,他的《梦游天姥吟留别》以飞越的神思结构全诗,诗人的想象犹如天马行空,所描绘的梦境、仙境,正是他所向往追求的光明美好的理想世界.“小时不识月,呼着白玉盘”“我寄愁心与明月,随君直到夜郞西”“我歌月徘徊,我舞影凌乱”都是奇思遐想与自然天真相结合的神来之笔.
3、用典：即在诗歌中援引史实,使用典故.古诗很讲究用典,这既可使诗歌语言精炼,又可增加内容的丰富性,增加表达的生动性和含蓄性,可收到言简意丰、耐人寻味的效果,增强作品的表现力和感染力.如辛弃疾《永遇乐?京口北固亭怀古》中成功地运用了五个典故：孙权、刘裕、刘义隆等,诗人借助这些历史事实,含蓄自然而又充分地表达了自己的思想感情.
4、比喻象征：本是一种把一事物比成另一本质不同的事物的修辞手法,运用在诗歌当中,也称比兴.诗词当中经常运用这一手法以达到形象生动和化实为虚的艺术效果.如唐代朱庆余《近试上张水部》巧借新妇拜见公婆前的忐忑不安而又充满希望的心理,写自己应试前紧张而又希望得到赏识的心态.贺知章《咏柳》：“碧玉妆成一树高,万条垂下绿丝绦.不知细叶谁裁出,二月春风似剪刀.”早春新叶萌发,诗人在一阵惊喜中忽发奇想,是春姑娘用她那双灵巧的手,摆弄那富有灵性的剪刀,裁出那片片细叶的吧!比喻使描写化实为虚,形象更生动了,情感更浓郁了.如果通篇贯穿着这种比兴的意象,则是象征.如李白常借雄奇不平凡的事物,如大鹏、天马、雄剑及高山大河,来寄托他的理想,象征他的才能；喜欢选取高洁美好的事物如明月、凤凰、松柏、美人等,来象征报的人品节操；又常选取遭摧残、受拘羁的人物事件来比喻他的经历和处境.
5、 夸张：即故意地对事物进行夸大或缩小的描写,借以表达诗人异乎寻常的情感.合理的夸张虽不符合事理,却符合情理.在浪漫主义诗歌中,夸张的手法随处可见.如“天台一万八千丈,对此欲倒东南倾.”(李白《梦游天姥吟留别》)“白发三千丈,缘愁似个长”(李白《秋浦歌》).又如“三杯吐然诺,五岳倒为轻”(李白《侠客行》)以五岳为轻来夸张侠客然诺之重；“轻言托朋友,面对九凝峰.”(李白《箜篌谣》)用山峰来夸张朋友之间的隔膜与猜疑.
古诗词中还常用对比、借代、互文(如王昌龄《出塞》“秦时明月汉时关”、白居易《琵琶行》“主人下马客在船”)、双关、比拟等用法,特点、作用类似于一般文章中运用的辞格,此不再赘述.另外,古诗中常见的一些“艺术辩证”的手法,也要注意.如描述事物或景物时,常把远与近、动与静、声与色、实与虚等相结合,收到了较好的艺术效果.

人体艺术张（四）:

阐述一位熟知的艺术家艺术创作与人生经历的关系.1500字

　　江苏省宜兴县内有条河叫塘河,河上有座石拱桥名屺亭桥.徐悲鸿于1895年7月19日出生在屺亭桥镇的一个平民家庭,原名寿康,年长后改名为“悲鸿”.父亲徐达章是私塾先生,能诗文,善书法,自习绘画,常应乡人之邀作画,谋取薄利以补家用.母亲鲁氏是位淳朴的劳动妇女.
　　徐悲鸿9岁起正式从父习画,每日午饭后临摹晚清名家吴友如的画作一幅,并且学习调色、设色等绘画技能.10岁时,已能帮父亲在画面的次要部分填彩敷色,还能为乡里人写
　　“时和世泰,人寿年丰”等春联.13岁随父辗转于乡村镇里,卖画为生,接济家用.背井离乡的日子虽然艰苦,却丰富了徐悲鸿的阅历,开拓了其艺术视野.17岁时,徐悲鸿独自到当时商业最发达的上海卖画谋生,并想借机学习西方绘画,但数月后却因父亲病重而不得不返回老家.志向高远的徐悲鸿在20岁时再度来到上海,开始了新的人生起步.在友人的扶助下,他考入法国天主教会主办的震旦大学,为日后的赴法留学打下了一定的法语基础.其间认识了着名的油画家周湘、岭南画派的代表人物高奇峰、高剑父,在画作上得到了他们的赞许和指点,增强了绘画创作的信心.他还结识了维新派领袖康有为,在其影响下确立了自己的创作思路.在康氏“鄙薄四王,推崇宋法”的艺术观念影响下,他对只重笔墨不求新意的“四王”加以贬薄,认为只有唐代吴道子、阎立本、李思训,五代黄筌,北宋李成、范宽等人的写实绘画才具精深之妙.在康有为的支持下,他观摩各种名碑古拓,潜心临摹《经石峪》、《爨龙颜碑》、《张猛龙碑》、《石门铭》等,深得北碑真髓,书法得以长进.后获得赴日本东京研究美术的资助,在日本,徐悲鸿饱览了公私收藏的大量珍品佳作,深切地感受到日本画家能够会心于造物,在创作上写实求真,但在创作上缺少中国文人画的笔情墨韵,无蕴藉朴茂之风.
　　在北洋政府的资助下,24岁的徐悲鸿到法国学习绘画.抵欧之初,他参观了英国的大英博物馆、国家画廊、皇家学院的展览会以及法国的卢佛宫美术馆,目睹了大量文艺复兴时期以来的优秀作品.徐悲鸿深深感到自己过去所作的中国画是“ 体物不精而手放佚,动不中绳,如无缰之马难以控制.”于是,他刻苦钻研画学,并考入巴黎美术学校,受教于弗拉芒格先生,开始接受正规的西方绘画教育.弗拉芒格擅长于历史题材的人物画,其画作不尚细节的刻画而注重色彩的和谐搭配与互衬,对徐悲鸿日后油画风格的形成有着巨大的影响.
　　徐悲鸿每日乐此不疲地进行西洋画的基本功训练,上午在巴黎美术学校学习,下午去叙里昂研究所画模特儿,有时还抽空去观摩各种展览会.此期间他有幸结识了着名画家柯罗的弟子艺术大师达仰,每星期日携画到达仰画室求教.达仰“勿慕时尚,毋甘小就”及注重默画的艺术思想对他影响较大,使得他没有追随当时法国日渐兴盛的现代派画风,而是踏踏实实地钻研欧洲文艺复兴以来的学院派艺术,在继承古典艺术严谨完美的造型特点的同时,掌握了娴熟的绘画技巧.留学4年之后,徐悲鸿的绘画水平已达到可与欧洲同时期的艺术家相媲美的地步,其油画作品《老妇》入选法国国家美术展览会（沙龙）.
　　由于北洋政府一度中断学费,徐悲鸿被迫转至消费水平较低的德国柏林.在那里,徐悲鸿仍然不放过每一个学习的机会.他求教于画家康普,到博物馆临摹着名画家伦勃朗的画作,并且常去动物园画狮子、老虎、马等各种动物,以提高自己的写生能力.
　　当徐悲鸿重新获得留学经费后,便立即从德国返回法国继续学习.他抓紧每一寸时光,在名师们正规而系统的训练和他本人孜孜不倦的努力钻研下,绘画水平日渐提高,创作出一系列以肖像、人体、风景为主题的优秀的素描、油画作品,如《抚猫人像》、《持棍老人》、《自画像》等.
　　徐悲鸿在旅欧的最后阶段还先后走访了比利时首都布鲁塞尔,意大利的米兰、佛罗伦萨、罗马及瑞士等地.美丽的异国风光令他陶醉,欧洲绘画大师们的佳作令他受益匪浅.长达8年的旅欧生涯,塑就了他此后一生的审美意趣、创作理念和艺术风格.

人体艺术张（五）:

清明上河图赏析
从构图、色彩、笔触、形象艺术、风格、艺术价值来写,200字左右

清明上河图赏析
　　《清明上河图》宽24.8厘米,长厘米528.7cm,绢本设色,是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品.张择端,字正道,东武（今山东诸城）人
　　这幅画描绘的是汴京清明时节的繁荣景象,是汴京当年繁荣的见证,也是北宋城市经济情况的写照.通过这幅画,我们了解了北宋的城市面貌和当时各阶层人民的生活.总之,《清明上河图》具有极高的史料价值.
　　《清明上河图》的中心是由一座虹形大桥和桥头大街的街面组成.粗粗一看,人头攒动,杂乱无章；细细一瞧,这些人是不同行业的人,从事着各种活动.大桥西侧有一些摊贩和许多游客.货摊上摆有刀、剪、杂货.有卖茶水的,有看相算命的.许多游客凭着桥侧的栏杆,或指指点点,或在观看河中往来的船只.大桥中间的人行道上,是一条熙熙攘攘的人流；有坐轿的,有骑马的,有挑担的,有赶毛驴运货的,有推独轮车的……大桥南面和大街相连.街道两边是茶楼,酒馆,当铺,作坊.街道两旁的空地上还有不少张着大伞的小商贩.街道向东西两边延伸,一直延伸到城外较宁静的郊区,可是街上还是行人不断：有挑担赶路的,有驾牛车送货的,有赶着毛驴拉货车的,有驻足观赏汴河景色的.
　　汴河上来往船只很多,可谓千帆竞发,百舸争流.有的停泊在码头附近,有的正在河中行驶.有的大船由于负载过重,船主雇了很多纤夫在拉船行进.有只载货的大船已驶进大桥下面,很快就要穿过桥洞了.这时,这只大船上的船夫显得十分忙乱.有的站在船篷顶上,落下风帆；有的在船舷上使劲撑篙；有的用长篙顶住桥洞的洞顶,使船顺水势安全通过.这一紧张场面,引起了桥上游客和邻近船夫的关注,他们站在一旁呐喊助威.《清明上河图》将汴河上繁忙、紧张的运输场面,描绘得栩栩如生,更增添了画作的生活气息.
　　张择端具有高度的艺术概括力,使《清明上河图》达到了很高的艺术水准.《清明上河图》丰富的内容,众多的人物,规模的宏大,都是空前的.《清明上河图》的画面疏密相间,有条不紊,从宁静的郊区一直画到热闹的城内街市,处处引人入胜.【人体艺术张】

人体艺术张（六）:

什么是理论的典型形态【人体艺术张】

　　典型又称典型形象.文学典型和文学意象、文学意境一样,是有着丰富内涵、深刻意义和很强艺术性的文学形象,而且是文学形象中的高级形态.所不同的是,文学意象、文学意境是中国文学常青之树上结成的理论果实,文学典型是西方文学常青之树上最早结成并引进到中国的理论果实.文学典型主要出现于叙事类作品中,我们读优秀的小说、戏剧文学、报告文学,都会感受文学典型的存在,它们开阔我们的眼界,给过我们许多深刻的启示,激发我们爱生命、爱生活的信念和热情.我们有必要认真探究一下文学典型的有关理论和实践的问题,见识文学典型园地里的深远景象、神奇风光.
　　一、为什么说典型理论产生于国外,又在中国扎下了根?
　　典型（Tupos）一词产生于希腊文,从古希腊时代开始,哲人们创造了典型理论,不过他们只看重典型的一般性、普遍性特点,共性论占主导地位；从18世纪开始,西方人重视典型的特殊性、偶然性,个性论占主导地位；从19世纪开始,典型理论经德国歌德、黑格尔、俄国别林斯基的发展而渐趋成熟,后来马克思、恩格斯以科学的理论为指导阐明典型理论,把这一理论推进到完全成熟的阶段；20世纪之后,典型理论在有些国家仍保持旺盛的生命力,不过,随着西方的文学理论视野的转移,典型理论逐渐归于沉寂.
　　典型理论传入中国,是在五四运动之后,而真正得以充分发展,是在新中国成立之后.今天,人们谈论文学形象,仍沿用典型理论,如典型性、典型化、典型人物、典型性格、典型环境,甚至人们把典型论泛用于学术和生活的许多方面,如用“非常典型”或“不够典型”来形容某事某物某人.典型理论虽然不是最早产自中国,但至今已经完全中国化了.
　　二、典型形象和普通形象有什么不同?
　　典型形象的特点可以这样简要概括：它除了具有普通形象的一般特点外,还具有更加深刻的思想性、更加普遍的社会意义和人类共同精神,具有更加充分的个性和更加丰富的审美价值.这些特点在普通的文学形象中是难得见到,或是所见不充分的.
　　理解这一概念应该抓住三个要点：一是深刻内涵,二是充分个性,三是审美效果.
　　典型形象展示了时代性、社会性和普遍人性.一个优秀的典型形象所包含的意义远远大于形象本身,它具有广泛的象征性、代表性,正如恩格斯所说：“主要人物是一定的阶级和倾向的代表,因而也是他们时代的一定思想的代表……”（《致斐迪南·拉萨尔》）此话高屋建瓴而言简意赅,道出了典型形象生成的核心秘密.
　　例如作为典型形象的阿Q,人只有一个,但“阿Q相”不为其一人所有,我们从阿Q身上看到当时雇农阶级、农村无产者的某些方面的生活方式、思想方式甚至于言语方式,同时也看到当时社会上的人们某些恶劣习性的侧影.鲁迅介绍《阿Q正传》的创作初衷时说,要“画出这样沉默的国民的魂灵来”,从这话里可以领会到作品的深刻性,体悟到阿Q这个典型形象的广泛意义.小说刚连载时,茅盾就指出阿Q是“中国人品性的结晶”,20世纪40年代周立波指出阿Q“是中国精神文明的化身”.美国某教授说：“鲁迅塑造的阿Q这个典型人物,不仅中国有,其实美国也有,全世界各处都有.阿Q的精神胜利法,在不少人身上都有反映.我的太太有时就说我是阿Q……”所以在当今世界“越来越小”,人们的行动范围和思想天地“越来越大”的情况下,阿Q正走出国门,走向世界,他的身上折射着全人类的某些共同特性.这种深刻、丰富的内涵,是普通形象所不具备的.
　　典型形象展示了鲜明独特的个性.个性就是特征性,作家笔下的形象个性是普遍见到的,但典型形象的个性要求更高,就像一束夺目的强光一样,吸引读者的注意,给读者留下永久的印象,正如恩格斯所说：“每个人都是典型,但同时又是一定的单个人,正如老黑格尔所说的,是一个‘这个’,而且应该是如此.”（《致敏·考茨基》）这样的“单个人”的个性应该是立体的、透彻的、全面的,而不是局部的、单薄的,是金圣叹评论《水浒传》所说的：“所叙一百零八人,人有其性情,人有其气质,人有其形状,人有其声!”
　　例如鲁迅笔下的孔乙己,给读者留下深刻印象的东西俯拾即是,他有奇特的名字,“替他取下一个绰号,叫作孔乙己”；他有奇特的外表,“一部乱蓬蓬的花白的胡子”,所穿长衫“似乎十多年没有补,也没有洗”；他有奇特的语言,“总是满口之乎者也”,“窃书不能算偷……”“不多不多!多乎哉?不多也”；他有奇特的行为动作,“是站着喝酒而穿长衫的惟一的人”,“用指甲蘸了酒,想在柜上写字”,“伸开五指将碟子罩住”,“坐着用这手慢慢走去了”；他有奇特的命运,“原来也读过书”,“愈过愈穷,弄到将要讨饭了”,“再到年关也没有看见他”,“大约孔乙己的确死了”.可以说孔乙己的样样品行都独特,他的独特性使他成为真正的典型形象,这样的典型形象在世界文学人物画廊里找不到第二个.
　　典型形象具有独特的审美价值.作者既发现和创造典型形象,又对典型形象进行审美观照,这一过程是按照艺术逻辑、美的规律来进行,按照性格规律如统一律、矛盾律、发展律来展示人物的性格历史的.那些美好的人性得以张扬,显得更加美好；丑恶的人性得以暴露、受到惩戒,显出美的反面教训,也是审美的结果.
　　典型形象在叙事类作品中指典型人物或人物典型,人物形象的典型性,通常是以性格的典型性为特征的.但这样理解典型性似乎有点狭隘,还有些人物,我们看不到像阿Q或孔乙己这样的鲜明独特的性格,可是他们照样有典型性,如《祝福》中的祥林嫂,鲁迅对她的描写主要是命运的描写,给读者以情感震荡的她的悲惨命运,以致于我们常把“祥林嫂式的命运”作为一个种特别的说法,用来形容某些灾难深重的人,尤其是苦难的妇女.因此,不妨说这类人物的典型性表现在命运上,就像称阿Q和孔乙己是性格典型一样,我们可以称祥林嫂这样的人物为命运典型.
　　典型形象在现代派作品是否可以见到?如果我们承认人物形象的典型性还包括人物命运和人物的心理状态的话,那么典型理论同样适用于现代派作品.例如奥地利作家卡夫卡的小说《变形记》,讲述了一个奇怪的故事,描写了一个奇怪的人物,你看作品的开头：
　　一天早晨,格里高尔·萨姆沙从不安的睡梦中醒来,发现自己躺在床上变成了一只巨大的甲虫.他仰卧着,那坚硬得像铁甲一般的背贴着床,他稍稍一抬头,便看见自己那穹顶似的棕色肚子分成了好多块弧形的硬片,被子在肚子尖上几乎待不住了,眼看就要完全滑落下来.比起偌大的身躯来,他那许多条腿真是细得可怜,都在他眼前无可奈何地舞动着.
　　人变成甲虫,奇特之至!本来一家人靠他挣钱过日子,祈望他病情好转,可是他的“虫性”不断强化,好转无望,便反过来歧视他,把他当作全家“一切不幸的根源”,甚至诅咒他,残害他.他受了家人的残害,躲在地板的角落里,孤独、忧郁地死去.尽管他作为人已经完全“虫化”、异化,但我们仍可以视他为现实生活中某些小人物的代表,他的命运仍然具有深刻的社会意义,谁也不能怀疑格里高尔·萨姆沙的形象具有典型性.
　　那么虚幻的人物,如孙悟空算不算典型形象?答案应该是肯定的.首先,他的外表形象奇特,独一无二；言行也特别,具有奇才异能；命运也特别,历经无数灾难而修成正果……其次,他的身上寄托着作者和社会公众的理想愿望,若干年前他成为造反英雄,甚至是农民起义领袖的隐喻形象,现在他成为社会正义的象征,或者是人类征服自然之力的象征,甚至是东方人修炼、修行,追求圆满和超越的信念、意志的象征.
　　创造典型形象是作家们共同的愿望和毕生的追求,但不是每一个文学形象都是典型形象,也不是每一部作品都创造了典型形象,人物形象多如牛毛,典型形象稀如牛角.据统计《红楼梦》描写了林林总总五百多个人物形象,但真正称得上典型形象的只有贾宝玉、林黛玉、薛宝钗、王熙凤、晴雯、贾琏等,是少数中的少数,精华中的精华.
　　三、典型环境和普通环境有什么不同?
　　就像形象分一般形象和典型形象一样,环境也分一般环境和典型环境.
　　典型环境,简要地说就是典型人物成长和活动的环境.这种环境包含两方面的内容,一是大的背景,如特定的社会思潮、历史事件、文化氛围等；一是人物所处的小环境,如自然环境、具体的生活场所.这样的环境应该是典型的,也就是人物活动的小环境有着鲜明的特点,比如有地域特点、人群特点、场景特点,给读者深刻的印象；同时小环境中还蕴含深刻的社会意义,让人看出历史事件、时代思潮的影响.例如阿Q的环境就是一个典型环境,地点是江南农村未庄,时间是在辛亥革命前后,我们既能看到江南水乡特色鲜明的风土人情,也能看到一场现代革命对基层农村的影响.
　　不过,不能对典型环境作狭隘的理解,环境描写不等于具体的景物描写和场景描写,不仅历史事件、社会变革和风土人情可以成为环境要素,甚至人际关系也可以成为人物的生存环境和社会关系之“网”,人物即是网上的一个个“结”.人与人之间的关系具有相对性,他人成为你的环境,你也成为他人环境中的一部分.例如咸亨酒店里的掌柜、小伙计“我”、短衣帮、邻居众小孩,还有未露面的丁举人,都是孔乙己的环境；另一方面,就像孔乙己成为众人的笑料一样,他也成为别人的环境的一部分,互为衬托.
　　四、典型人物与典型环境的关系如何?
　　关于典型人物与典型环境的关系,恩格斯在《致玛·哈克奈斯》的信中,评论对方的小说《城市姑娘》时说道：
　　据我看来,现实主义的意思是,除细节的真实外,还要真实地再现典型环境中的典型人物.您的人物,就他们本身而言,是够典型的；但是环绕着这些人物并促使他们行动的环境,也许就不是那样典型了.
　　“真实地再现典型环境中的典型人物”,是现实主义文学和其他文学的最重要的准则之一.它要求做到：环境与人物相匹配,与人物之间具有共生性、互动性；人物性格的形成和发展由环境决定,并由环境得以解释；环境以人物为基础,以人物为中心,并提供人物行动的动机.很难设想,会有脱离环境的典型人物存在,光描写人物不描写环境,人物势必像脱离了土地的草木一样枯萎；也很难设想,会有脱离人物的典型环境存在,没有人物活动的环境就像没有草木生长的土地,这样的土地有何生气?
　　那么,典型环境与典型人物的共生互动是不是完全顺应一致?也不是,常见的情况甚至是相反,人物与环境不和谐!阿Q从生到死都与未庄环境格格不入,祥林嫂是被她周围的环境逼向死路的,孔乙己也是被人群哄笑着排挤出象征人生舞台咸亨酒店的,格里高尔·萨姆沙竟然被自己的家人残害致死……
　　如何理解典型人物与环境之间的“不和谐”现实?水不平则流,物不平则鸣,人不平则起来行动.与环境格格不入,才有“戏”可演；人物性格必须在矛盾冲突中才得到充分展示,才碰撞出耀眼的光芒.
　　五、典型化的一般方法有哪些?
　　典型化,就是作家将生活中的素材进行艺术加工,包括筛选、提炼、集中、分解、综合、想象、夸张、润色……简单地说,就是把通常所见的形象变成典型形象,把通常所见的环境变成典型环境.作为虚构的小说、戏剧,艺术加工的成分较大；作为纪实性的小说和报告文学,艺术加工主要地不在于虚构,而是筛选、提炼、集中.后者同样称作典型化.
　　典型化的方法大概有三种.
　　1．原型加工法.作家以现实生活中某一真实人物为基础,添加其他人物的习性、事件和细节,以达到典型人物的更高要求.这样的原型往往已经具备鲜明的个性,而且这个性又联系着社会众人的共性,或者他的命运映现出社会的动态、变迁.用鲁迅的话说就是：“专用一个人,言谈举动,不必说了,连细微的癖性,衣服的式样,也不加改变.”（《且介亭杂文末编·〈出关〉的“关”》）
　　例如鲁迅《狂人日记》中的狂人形象实有其人,就是鲁迅的表兄弟,原在西北生活,后逃到北京来向鲁迅求救,说同事要谋杀他；住在当时北京客栈,深夜听见楼上地板脚步声,以为杀人者已经设下埋伏；再换房间,又听到隔壁有异样声音,以为是他们同伙,他感到绝望了；鲁迅留他在会馆住,大清早来敲门找鲁迅,说今天要被杀了,说话声好不悲惨；带他去看医生,路上看见背枪警察,惊惶失色,以为当即要死.（事料见周遐寿《鲁迅小说里的人物》）其人其事,就是鲁迅写作《狂人日记》的基础,当然从现实到小说还需要有一个艺术加工的过程,经过加工后的狂人更具有艺术性、审美性.
　　2．合成加工法.不是以现实生活中某一真实人物为基础,而是杂取了耳闻目睹、道听途说的各个人物的事件、细节,拼成一个“无中生有”的人物.用鲁迅的话说就是：“杂取种种,合成一个.”他还说“我是一向取后一法的”,“向来不用一个单独的模特儿”（《且介亭杂文末编·〈出关〉的“关”》）,这就是取用合成法.“所写的事迹,大抵有一点见过或听到过的缘由,但决不全用这事实,只是采取一端,加以改造,或生发开去,到足以几乎完全发表我的意思为止.人物的模特儿也一样,没有专用过一个人,往往嘴在浙江,脸在北京,衣服在山西,是一个拼凑起来的脚色.”（《南腔北调集·我怎么做起小说来》）
　　例如鲁迅笔下的孔乙己,是现实生活中的“孟夫子”和另一个书生“四七”的形象拼凑而成的,孔乙己爱喝酒,偷书被打,后用蒲包垫着,用手撑着走路到酒店喝酒,这些事都是取自“孟夫子”；而穿一种又破又脏的长衫,能写一手好字,这些事又是取自“四七”.鲁迅笔下的祥林嫂,也是现实生活中的多个人拼凑而成的,她临死前的形象,取自作者远房的伯母；有关再嫁妇女死后被锯成两半的传说,以及捐门槛之事,与一个叫单妈妈的女人相关；阿毛被狼吃掉的事,则是作家本家某看坟人的经历.可见,小说虽然虚构,却都有来历.
　　3．集中强化法.是以现实生活中某一真实人物为模特,不改造,不虚构,但是进行选择、提炼、概括,从生活真实到艺术真实基本上不变形,只是以写真摹实的艺术化手法,使得艺术形象比生活形象的美丽的一面更加美丽,善良的一面更加善良,深刻的一面更加深刻.著名报告文学作家理由将真实性的典型化方法阐述得具体而微：“报告文学需要从文学的河流里引来多样化的表现方法与艺术技巧,如提炼、剪裁、描摹、比兴、工笔刻划、重笔渲染,以及精选角度、截取断面、调动语言……”（《报告文学的写作》）当然,集中强化法不只是适用于报告文学,也适用于纪实小说、写人散文等.
　　请看著名的报告文学《哥德巴赫猜想》中描写科学家陈景润的片段：
　　当他已具备了充分依据,他就以惊人的顽强毅力,来向哥德巴赫猜想挺进了.他废寝忘食,昼夜不舍,潜心思考,探测精蕴,进行了大量的运算.一心一意地搞数学,搞得他发呆了.有一次,自己撞在树上,还问是谁撞了他?他把全部心智和理性通通奉献给这道难题的解题上了,他为此而付出了很高的代价.他的两眼深深凹陷了.他的面颊带上了肺结核的红晕.喉头炎严重,他咳嗽不停.腹胀、腹痛,难以忍受.有时已人事不知了,却还记挂着数字和符号.他跋涉在数学的崎岖山路,吃力地迈动步伐.在抽象思维的高原,他向陡峭的巉岩升登,降下又升登!善意的误会飞入了他的眼帘.无知的嘲讽钻进了他的耳道.他不屑一顾；他未予理睬.他没有时间来分辩；他宁可含垢忍辱.餐霜饮雪,走上去一步就是一步!他气喘不已；汗如雨下.时常感到他支持不下去了.但他还是攀登.用四肢,用指爪.真是艰苦卓绝!多少次上去了摔下来.就是铁鞋,也早该踏破了.人们嘲笑他穿的鞋是破了的：是通风透气不会得脚气病的一双鞋子.不知多少次发生了可怕的滑坠!几乎粉身碎骨.他无法统计他失败了多少次.他毫不气馁.他总结失败的教训,把失败接起来,焊上去,作登山用的尼龙绳子和金属梯子.吃一堑,长一智.失败一次,前进一步.失败是成功之母,功由失败堆垒而成.他越过了雪线,到达雪峰和现代冰川,更感缺氧的严重了.多少次坚冰封山,多少次雪崩掩埋!他就像那些征服珠穆朗玛峰的英雄登山运动员,爬啊,爬啊,爬啊!而恶毒的诽谤,恶意的污蔑像变天的乌云和九级狂风.而热情的支持为他拨开云雾,明朗的阳光又温暖了他.他向着目标,不屈不挠；继续前进,继续攀登.战胜了第一台阶的难以登上的峻峭,出现在难上加难的第二台阶绝壁之前.他只知攀登,在千仞深渊之上；他只管攀登,在无限风光之间.一张又一张运算的稿纸,像漫天大雪似的飞舞,铺满了大地.数字、符号、引理、公式、逻辑、推理,积在楼板上,有三尺深.忽然化为膝下群山,雪莲万千.他终于登上了攀登顶峰的必由之路,登上了（1＋2）的台阶.
　　这是作品集中描写陈景润攀登哥德巴赫猜想“（1＋2）的台阶”的情景.有真实的描写,如“他废寝忘食,昼夜不舍,潜心思考,探测精蕴,进行了大量的运算”,“有一次,自己撞在树上,还问是谁撞了他”,“他的两眼深深凹陷了.他的面颊带上了肺结核的红晕.喉头炎严重,他咳嗽不停.腹胀、腹痛,难以忍受”；还有虚拟景象的描写,即写陈景润攀登科学高峰时的情状.真实描写较为粗略,没有显出精彩生动的特点,显然是不敢或不愿有虚构的细节描写,而且只写与科学研究相关的事情,其他事情一概省略,可以见出作者求真务实的原则,以及选择、裁剪和融会的用心；虚拟描写则放开笔墨,用虚拟的“攀登者”比喻陈景润的典型形象,用虚拟的“数学的崎岖山路”比喻陈景润科学难题的典型环境,展示了作者艺术加工的高妙.

人体艺术张（七）:

徐悲鸿是一个怎样的人?

　　中文名： 徐悲鸿
　　国籍： 中国
　　出生地： 江苏省宜兴县屺亭桥镇
　　出生日期： 1895年7月19日
　　逝世日期： 1953年9月26日
　　职业： 画家,诗人
　　毕业院校： 上海复旦大学
　　主要成就： 《悲鸿画集》等
　　代表作品： 《愚公移山图》;《八骏图》
　　自幼习画 艰难求索
　　江苏省宜兴县内有条河叫塘河,河上有座石拱桥名屺亭桥.徐悲鸿于1895年7月19日出生在屺亭桥镇的一个平民家庭,原名寿康,年长后改名为“悲鸿”.父亲徐达章是私塾先生,能诗文,善书法,自习绘画,常应乡人之邀作画,谋取薄利以补家用.母亲鲁氏是位淳朴的劳动妇女. 徐悲鸿9岁起正式从父习画,每日午饭后临摹晚清名家吴友如的画作一幅,并且学习调色、设色等绘画技能.10岁时,已能帮父亲在画面的次要部分填彩敷色, 还能为乡里人写 徐悲鸿-九方皋
　　“时和世泰,人寿年丰”等春联.13岁随父辗转于乡村镇里,卖画为生,接济家用.背井离乡的日子虽然艰苦,却丰富了徐悲鸿的阅历,开拓了其艺术视野.17岁时,徐悲鸿独自到当时商业最发达的上海卖画谋生,并想借机学习西方绘画,但数月后却因父亲病重而不得不返回老家.志向高远的徐悲鸿在20岁时再度来到上海,开始了新的人生起步.在友人的扶助下,他考入法国天主教会主办的震旦大学,为日后的赴法留学打下了一定的法语基础.其间认识了著名的油画家周湘、岭南画派的代表人物高奇峰、高剑父,在画作上得到了他们的赞许和指点,增强了绘画创作的信心.他还结识了维新派领袖康有为,在其影响下确立了自己的创作思路.在康氏“鄙薄四王,推崇宋法”的艺术观念影响下,他对只重笔墨不求新意的“四王”加以贬薄,认为只有唐代吴道子、阎立本、李思训,五代黄筌,北宋李成、范宽等人的写实绘画才具精深之妙.在康有为的支持下,他观摩各种名碑古拓,潜心临摹《经石峪》、《爨龙颜碑》、《张猛龙碑》、《石门铭》等,深得北碑真髓,书法得以长进.后获得赴日本东京研究美术的资助,在日本,徐悲鸿饱览了公私收藏的大量珍品佳作,深切地感受到日本画家能够会心于造物,在创作上写实求真,但在创作上缺少中国文人画的笔情墨韵,无蕴藉朴茂之风. 徐悲鸿从日本归国后受聘为北京大学“画法研究会”导师.在京期间,相继结识了蔡元培、陈师曾、梅兰芳及鲁迅等各界名人,深受新文化运动思潮的影响,树立了民主与科学的思想.
　　旅欧深造 孜孜不倦
　　在北洋政府的资助下,24岁的徐悲鸿到法国学习绘画.抵欧之初,他参观了英国的大英博物馆、国家画廊、皇家学院的展览会以及法国的卢佛宫美术馆,目睹了大量文艺复兴时期以来的优秀作品.徐悲鸿深深感到自己过去所作的中国画是“ 体物不精而手放佚,动不中绳,如无缰之马难以控制.”于是,他刻苦钻研画学,并考入巴黎美术学校,受教于弗拉芒格先生,开始接受正规的西方绘画教育.弗拉芒格擅长于历史题材的人物画,其画作不尚细节的刻画而注重色彩的和谐搭配与互衬,对徐悲鸿日后油画风格的形成有着巨大的影响. 徐悲鸿每日乐此不疲地进行西洋画的基本功训练,上午在巴黎美术学校学习,下午去叙里昂研究所画模特儿,有时还抽空去观摩各种展览会.此期间他有幸结识了著名画家柯罗的弟子艺术大师达仰,每星期日携画到达仰画室求教.达仰“勿慕时尚,毋甘小就”及注重默画的艺术思想对他影响较大,使得他没有追随当时法国日渐兴盛的现代派画风,而是踏踏实实地钻研欧洲文艺复兴以来的学院派艺术,在继承古典艺术严谨完美的造型特点的同时,掌握了娴熟的绘画技巧.留学4年之后,徐悲鸿的绘画水平已达到可与欧洲同时期的艺术家相媲美的地步,其油画作品《老妇》入选法国国家美术展览会（沙龙）. 由于北洋政府一度中断学费,徐悲鸿被迫转至消费水平较低的德国柏林.在那里,徐悲鸿仍然不放过每一个学习的机会.他求教于画家康普,到博物馆临摹著名画家伦勃朗的画作,并且常去动物园画狮子、老虎、马等各种动物,以提高自己的写生能力. 当徐悲鸿重新获得留学经费后,便立即从德国返回法国继续学习.他抓紧每一寸时光,在名师们正规而系统的训练和他本人孜孜不倦的努力钻研下,绘画水平日渐提高,创作出一系列以肖像、人体、风景为主题的优秀的素描、油画作品,如《抚猫人像》、《持棍老人》、《自画像》等. 徐悲鸿在旅欧的最后阶段还先后走访了比利时首都布鲁塞尔,意大利的米兰、佛罗伦萨、罗马及瑞士等地.美丽的异国风光令他陶醉,欧洲绘画大师们的佳作令他受益匪浅.长达8年的旅欧生涯,塑就了他此后一生的审美意趣、创作理念和艺术风格.
　　技融中西 名垂画史
　　学有所成的徐悲鸿在32岁这一年回到中国,开始在国内投身于美术教育工作,发展自己的艺术事业.他参与了田汉、欧阳予倩组织的“南国社”,积极倡 导“求美、求善之前先得求真”的“南国精神”.他陆续创作出取材于历史或古代寓言的大幅绘画,这些画作借古喻今,观者从中能够强烈地感受到画家热爱祖国和人民的真挚之情.1931年日军侵华加剧,民族危亡之际,徐悲鸿创作了希望国家重视和招纳人才的国画《九方皋》；1933年创作了油画《徯我后》,表达苦难民众对贤君的渴望 徐悲鸿-田横五百士
　　之情；1940年完成了国画《愚公移山》,赞誉中国民众坚忍不拔的毅力和夺取抗日最后胜利的顽强意志.除此之外,还创作了《巴人汲水》、《巴之贫妇》等现实题材,《漓江春雨》、《天回山》等山水题材以及大量人物肖像和动物题材的作品.1949年新中国成立后,徐悲鸿在担任政务、行政工作的同时,仍笔耕不辍地进行创作,满腔热情地描绘新中国建设中的新人、新事、新面貌.他为战斗英雄画像,到山东导沭整沂水利工程工地体验生活,为劳模、民工画像,搜集一点一滴反映新中国建设的素材.不幸的是,这一切艺术活动因画家过早地离开人世戛然而止. 徐悲鸿的作品,无论是油画、国画还是素描,在中国近现代艺术史上都占有重要地位.他在油画方面最大的成就是使印象主义的光与色的表现与古典主义严格而完美的造型相结合.在早期中国油画家中,杰出者首推徐悲鸿.在素描方面,徐悲鸿成绩卓著.他的素描既是绘画训练的习作,为他的国画和油画创作打下了深厚的基础,同时又是具有欣赏和研究价值的艺术品.其一生中,仅画人体素描就不止千幅.徐悲鸿在国画方面的造诣也很深厚.他是国画创新的艺术实践者,在继承传统绘画的基础上第一个把欧洲古典现实主义的技法融入到国画创作中,创制了富有时代感的新国画.以人们熟知的画家的马画为例,从这类作品中既能欣赏到中国传统绘画中的线条造型和笔墨之美,又能观察到物象局部的体面造型和光影明暗. 徐悲鸿凭藉着他的天才智慧、坚毅的精神和毕生的努力,成为近现代中国画坛上少有的能够全面掌握东西方绘画技法的艺术大师.

人体艺术张（八）:

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