个人裸体艺术写真168(共10篇)

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个人裸体艺术写真168（一）:

个人艺术摄影的见解 作文

当今中国艺术摄影的题材非常广泛。可以说，西方艺术摄影的所有题材，几乎都有中国摄影家在拍摄。然而，在对中西方摄影艺术史上各占主要地位的题材进行审视时，我们会惊奇地发现，二者的差距竟是如此之大。西方摄影主要内容是拍摄人（肖像、人体、纪实）。特别是人体摄影有其艺术传统。西方摄影史上，在摄影术发明不久，达盖尔银版照片就有人体题材。被誉为‘吃术摄影之父”、《人生的两条道路》的作者奥斯卡·雷兰德堪称人体摄影领域的先驱。尽管人体摄影艺术的风格和流派的更迭、流变，但其势常盛不衰。而在中国，人体摄影长期以来一直不能成为摄影家创作的主题。二十世纪三十年代有骆伯年拍摄的《汲瓮》、郎静山的《凝思》，此后人体摄影潮涨潮落。而社会上对人体摄影的理解程度，固然与中国特有的文化背景、民族传统有关，更与时代的风气有关。另一方面，在中国，风光摄影在艺术摄影活动中，成为数量最为庞大、地位最为显赫的摄影主流。与此产生反差的，西方摄影史上，风光摄影却从未占有过重要的地位。鲍昆认为：‘哪使是被公认为风景摄影大师的安塞尔·亚当斯，在其摄影实践中，恐怕对他最为重要的还是对于‘区域曝光法’的研究，和如何利用这种方法更好地表达自我与自然的沟通。对于摄影技术特性的痴迷和膜拜，使他的艺术明显地区别于我们现在所谈的风光摄影。”也许我们选取的题材不同，但是不可否认的是摄影是一门艺术，摄影家都是同等的对待。摄影之所以被称为一门艺术，就是因为它需要的是一颗平静的心，任何浮躁与虚荣都是要不得的。
我相信，虽然进入了数码时代，但摄影的基础知识还是需要掌握的。我看来，既然接触摄影，要学会看懂五本书。
第一本要认真看的书，当然是产品说明书！在摄影论坛里，如果有人问产品说明书上本来很醒目的答案，是会遭到痛殴的。你只有在充分了解产品和基本操作的情况下，才能谈得上发挥系统的优点。也只有这样，相机才能真正成为你的工具。

第二本要看的书，是《纽摄》。是的，很多人说，纽摄老了，没错，纽摄是老了，老了就抽抽了，抽抽得只剩下精华了。人们对照片有不同的追求，咱们不说，追求亮丽明快，或许纽摄不适合，但我看来，它仍然是摄影圣经。开篇三个要求，主题、主体、简洁，自始至终都是我们评判片子的依据。看明白了纽摄，相机就会成为你的左右手。你会开始为光影而喜悦，为色彩而快乐。
第三本要看的书，就是感情。太浮躁的人是用不好相机的，因为他看见的只有服装和表情，他拍到的是漂亮或者丑陋，而不是喜欢或者厌恶；拍到的是笑容或者眼泪，而不是快乐或者悲伤。那样拍的片子，我们叫快门机器。单纯拍片子不是摄影，更不是艺术，摄影是藏在片子后面的感情！很遗憾，大部分人都还在看这本书，我也是。但是知道了方向，我想我们会突破的。等到突破了这一步，相机就能成为你的感情，你能很容易在打开一张片子的时候，迅速回到当时的现场，伴随一杯茶，半包烟，和一个宁静的下午。
第四本要看的书，是人生。太年轻的人也是无法理解摄影的真谛的。没错，现在市场上的相机种类繁多，也不乏索一类的时尚机型，但是，如果把摄影定位成那种时尚，那就错到家了。摄影不是时尚，在这两个字后面蕴含着前辈们多少年的积累和精华，从取景框看出去，转动对焦环，在景物开始清晰的同时，你能隐约看见大师的身影飘然而过，翩若惊鸿，矫若游龙。镜头表达的，是你眼中的世界，是你对人生的理解。摄影大师们，在拍风光的时候，他会充满了敬畏；在拍花鸟的时候，他洋溢着喜悦，在拍人文的时候，他骨子里刻着悲悯。镜头便是人生，你的片子便是你对大千世界的理解，走到这一步，镜头就是你的伴侣，你已经感觉不出它的存在，但它确实开始融进了你的生命。
第五本要看的书，便是你自己的心。世间万事万物，其实都是你内心的投影，心无挂碍了，从此得了解脱，自在啊！那时，你不再以潮起潮落云卷云舒为意，繁华起伏，俱是浮光掠影，一头一机，从此笑傲江湖。信手拈来皆文章，摘叶飞花可伤人。。
相信只要努力不断创新，认真的对待，那么不久后爱好摄影的各位都可以成为了不起的摄影家。我们一起努力吧！

个人裸体艺术写真168（二）:

艺术照 写真 英文怎么说?

艺术照 写真
Studio Shots
如果是人物写真就是：Studio Portrait Shots

个人裸体艺术写真168（三）:

苏绣针法特点

全观苏绣的主要艺术特点：图案工整绢秀,色彩清新高雅,针法丰富,雅艳相宜,绣工精巧细腻绝伦.
取其分类不同苏州刺绣作品的主要艺术特点为：山水能分远近之趣；楼阁具现深邃之体；人物能有瞻眺生动之情；花鸟能报绰约亲昵之态.
苏绣团修理,构思巧妙,修工精致,针法活泼,色彩清雅且地方特色浓郁.并且栩栩如生,尤其是仿画绣,写真秀艺术效果,名满天下.更加重要的是,它的历史悠久,富有立体感风格,图案活泼,清雅灵动,可谓无所不绣.所以人们在评价苏绣时往往以“平、齐、细、密、匀、顺、和、光”八个字概括之.

个人裸体艺术写真168（四）:

艺术照是什么哦?
有个同学要给我什么艺术照,那个是什么照片哦?【个人裸体艺术写真168】

经过后期加工了的照片,也就是把一些不好的东东经过处理后,变得漂亮了许多－－就是艺术照.

个人裸体艺术写真168（五）:

某学校组织艺术摄影展，上交的作品要求如下：七寸照片（长7英寸，宽5英寸）；将照片贴在一张矩形衬纸的正中央，照片四周外露衬纸的宽度相同；矩形衬纸的面积为照片面积的3倍.设照片四周外露衬纸的宽度为x英寸（如图），下面所列方程正确的是（　　）
A. （7+x）（5+x）×3=7×5
B. （7+x）（5+x）=3×7×5
C. （7+2x）（5+2x）×3=7×5
D. （7+2x）（5+2x）=3×7×5

设照片四周外露衬纸的宽度为x英寸，根据题意得：（7+2x）（5+2x）=3×7×5，
故选D．

个人裸体艺术写真168（六）:

关于油画晚祷的作文

那要看你对哪类油画感兴趣了啊,还有要跟你的毕业创作联系在一起最好.
题目最好是结合你最感兴趣的流派或大师和你自己或当代生活.
可以有两个标题.比如说<变化的旅程-----浅谈毕加索的艺术>
<美丽的幻像----论欧普艺术与当代生活>
这样几个关键词就都可以表达你论文的内容了.
或者最好的是和你自己的创作紧密联系的
比如你的创作是以技法为噱头,那么就论个技法创新什么的.以精神指向为噱头的话就搞个哲一点的名字,或者像散文一样的,都可以.根据你自己的情况吧
论文参考如下：
选择关键字：
1.乡土油画题材在中国的地位、发展现状.
2.油画语言的表达特点及独特规律.
3.美术创作中怎样体现人文精神、民族.
4.浅析中国经济与艺术发展关系.
摘要：
创作设计指导方向 1、版画 2、油画 3、平面设计
论文指导方向：1、美术创作中的人性化运用. 2、油画创作的色彩运用
3、书籍封面的构成.4、文学作品插图的艺术性.5、美术创作中的人性化运用
中国版画研究：1.试析设计中绘画元素的运用.2.试论黑白木刻中点、线、面的运用.3.试析绘画中的形式与精神的关系.4.浅析黑白木刻中灰色的组织及表现.5.我看当代艺术理想的演变.6.绘画创作中的个性表现——谈谈我的毕业创作.7.中国山水画和西方风景画的比较.8.浅析中国画人物的形神论.
9.传承、创新、流行——浅谈中国画艺术的现状.10当代西方绘画对中国绘画的影响.11当代室内设计的观点与发展.12装饰设计表现形态的多样性.13浅谈现代重色彩画中色彩的运用.14浅论谢赫的“六法论”对中国画的影响.
古代园林与现代环艺设计.15传统因素在现代设计中的运用（比如中国画的造型、色彩、构图等因素在设计中的运用）. 16浅论《清明上河图》的历史地位以及影响.17现代流行文化对绘画的影响.18绘画（或设计）中的个人风格.
19设计中的人性化问题.20论新具像绘画的兴起与其体现的时代特征.21论色彩的分寸及其在油画创作中的运用.22论线条在绘画语言中的表现力.23装饰设计表现形态的多样性.24色彩在室内设计中的运用.25绘画创作的技法与形式语言的研究.26少数民族服饰、用具图案的研究.27艺术作品中的情感、形式及表现因素.28室内装饰的精神的个性化.29广告发展中国际化与本土化.30论色彩的分寸及其在油画创作中的运用.31造型基础训练与创作及设计的关系.32艺术中的民族精神体现.33造型艺术中的个性化特征及寓于形式的“趣、奇、情、理”.34论绘画的再现与表现及写真与变实.35民间美术的发掘、传承与保护.36大美术”教学的社会调研.37少数民族服饰、用具图案的研究.38艺术作品中的情感、形式及表现因素.39寻找生命中的个性特征——关于绘画创作的思考
40谈基础素描中的创造性思维. 41浅析艺术设计专业素描教学的意义.
创作之我见—关于油画艺术的思考
内容 提要： 美术作品的创作是一种复杂的精神活动和生产制作活动,是现实生活在画家头脑里的反映的产物. 艺术 美是真善美的高度统一,它是一切艺术创作必须设定的自觉的目的.每个艺术家都应该在其作品中显现出他对于美的独特感受和理解.现实美和现实丑都是美术创作的源泉.通常被看作内容的东西,只是艺术借以表现自身的真正形式,而通常认为只是形式的东西,恰恰构成了一件艺术品的真正内容.美术作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体. 关键词：艺术创作 艺术美 现实美 现实丑 内容 形式 美术作品的创作,是一种复杂的精神活动和生产制作活动.它包括两个相互衣存、互为表里的方面：一是对 社会 生活的观察、体验和审美认识；二是运用物质媒介材料和技艺手段将这种审美认识表现出来,使其物化.这样,一幅油画作品在成为艺术品之前,则要经历两个大的阶段,前者是创作的构思活动阶段,后者是美术创作的传达活动阶段.这种创作活动是一种追求艺术美的过程.那么,怎样的作品才是真正的艺术作品呢?或者说什么样的作品才具有艺术价值?苏珊-朗格说：“艺术是人类情感的符号形式的创造,一切艺术都是创造出来的表现人类情感的知觉形式,这种创造出来的形式是供我们的感官去知觉或供我们想象的,而它所表现的东西就是人类情感.” 在希腊语中,艺术一词兼有两种涵义：一是指美的作品；二是指创造、技巧、技艺.艺术品就是具有审美价值的人工技术制品.由此,我们又可得出一点启示,当我们称赞一部艺术品优美时,往往是蕴涵着两层意义：一是指这件作品的表现形态非常优美,二是指这件作品的制作技艺非常优美.这两种不同的评价,前者对物、对作品.后者对人、对艺术家.一件真正的艺术作品,必须满足两个基本条件：一是它必须是人类劳动和智慧的创造物,二是它必须能给人以精神上的愉快感受,即具有审美价值.这两点,可以说是艺术品与伪艺术品相区别的根本特征.首先我们应当排除一种错觉.有人认为,凡是优美的事物,就都属于艺术.这种看法没有区分优美中的 自然 美与艺术美.而自然美尽管可以是艺术的对象,却绝不是真正的艺术本身.油画创作表现的是自然美,是对现实美的再创造. 但艺术美不等于自然美,它高于自然美.油画作品反映的是现实美,现实中美的事物或事物的美,是油画创作的有力根据或根源.比如,这样一幅生活情景：在暮色苍茫的天空下,有一对衣着朴素,身体健康的农民夫妇,在田野斜斜相对而言地站着,都低了头,把手放在胸前,身边倒着一辆手推车和一个盛满马铃薯的篮子.他们在辛勤劳动了一天正要回家的时候,远处传来了教堂的钟声,于是他们脸上现出虔诚肃穆的神色,双双心情平和地做起了晚祷.这不是法国19世纪 农村 典型的生活景象吗?在这幅生活景象中,我们看到的不正是劳动人民那种纯朴善良的性格美和人与人之间和谐诚挚的关系美吗?是的.但是,这种现实生活中的景色和美,是法国农民画家米勒在他的名作《晚钟》里为我们描绘出来的.
现实的生活是丰富多彩的,美术正是以这种在一定 历史 条件下多彩的现实生活为源泉而创造的.现实中无论人、自然事物或社会事物,只要与人类的社会生活相关,都可以成为美术创作的源泉.假若没有丰富多彩的现实生活,也就不会有所谓的美术.当然,现实中有些不美或丑的事物,也可以成为美术创作的根据,反映到美术中来,经画家审美意识的加工改造而成为美术作品的艺术美.实际上,人们对艺术与美有许多误解.人们总是以为艺术就是美的；凡是不美的就不是艺术,丑是对艺术的否定.事实上,艺术并不一定都是美的.即是说美术既能根据美的现实而创造现实美,也能根据丑的现实反映现实丑,并且通过审美创造使现实丑转化为艺术美.为什么美的艺术可以表现丑恶?对于艺术家来说, 问题 并不在于表现对象的丑恶,而在于必须对丑恶作出卓越的表现.
例如,在罗丹的雕刻名作《美丽的欧米哀尔》（又名《老妓》）中,现实的丑神奇地转化成了 艺术 的美.罗丹自己解释说：“平实的人总以凡是在现实中认为丑的,就不是艺术的材料——他们想禁止我们表现 自然 中使他们感到不愉快的和触犯他们的东西.这是他们的错误.在自然中一般人所谓“丑”,在艺术中能变成非常美、、、、、、委拉斯贵支画菲力浦四世的侏儒赛巴斯提恩时,他给他如此感人的眼光,使我们看了,立刻明白这个残废者内心的苦难——为了生存,不得不出卖他作为一个人的尊严,而变成一个玩物,一个活傀儡、、、、、、这个畸形的人,内心的苦越是强烈,艺术家的作品就越显得美,米勒表现一个可怜的农夫,一个被疲劳所摧残的、被太阳所炙晒的穷人,像一头遍体鳞伤的牲口似的呆钝,扶在锹柄上喘息时,只要在这受奴役者的脸上,刻画出他任凭“命运”的安排,便能使这个噩梦中的人物,变成全人类最好的象征.在作品中,现实丑的本质范畴转化了,其现实性削弱了,艺术性加强了.作品中的形象已经不是原来的现实中的丑的事物或人物,已经渗透了创作主体的认识、情感和评价等主观精神因素,从而成为一个典型形象.它从反面揭示出 社会 生活的本质真理,是形象的真理,亦即艺术的美.对丑的深刻剖析和否定,就是对美的肯定.罗丹的《老妓》是这样,委拉斯贵支的《赛巴斯提恩—莫拉》和米勒的《扶锄人》,朱耷的“白眼向人”的《荷花水鸟图》等都是这样.在国内外美术史上,有许多这样把现实丑转化为艺术美的成功之作.
事实上,丑恶只是题材的丑恶,它只构成艺术作品的表现形式；而优美却来自艺术家的智慧和表现力的超绝,它形成了艺术作品的深层结构.由此可见,美的价值具有超越性.在自然美中,它超越自然,而达到仿佛拟人化的理性结构.而在人类的艺术中,它又超越了人类,仿佛回到了本色的自然,返噗归真.
在油画作品中,通常被看作 内容 的东西,其实只是艺术借以表现自身的真正形式.而通常认为只是形式的东西,即艺术家对美的表现能力和技巧,恰恰构成了一件艺术作品的真正内容.人们对一件作品的估价,正是根据这种内容来确定的.
拉斐尔的《圣母》像就是这样.在一个早以被表现过千百遍的旧题材中,他以自己的精湛造诣为之赋予了崭新的艺术内容.从而使这个已死的形式获得了新的灵魂和生命.他的这种艺术表现是如此深刻,正如黑格尔赞叹：“我们确实可以说,凡是妇女都可以有这样的情感,但却绝不是每一个妇女的面貌都可以完全表现出这样深刻的灵魂.”
一个事物,只有当它以其现象的真实充分地体现出其本质的真理,以其具体的形式充分地表现出其内容的必然性,以其形象的个别性充分地显现出其种类的普遍性,而且这现象,这形式,这形象又必须是非常的突出,鲜明生动,那它才是美的.这就是美的 规律 .
凡是美术作品都离不开形象,离不开生动的视觉形式；凡是优秀的美术作品都离不开创造高度真实、高度概括的视觉形象,离不开创造艺术典型；而创造了艺术典型的美术作品,都必定以其鲜明生动的视觉形式充分的表现出社会生活的真理,同时又都突出地体现出创作主体真挚的思想情感和个性的善.而这感情和善,作为审美价值,却体现了艺术在文化中内在的价值品格和价值理想.这就是艺术的美.
在这个意义上,美术作品的艺术美,是真、善、美三位一体,高度统一的,在艺术审美经验中得到了融合.
在油画创作中,艺术美是必然的.因为美,是一切艺术创作必须设定的自觉目的.每个艺术家,都应该在作品中显现他对于美的独特感受和理解.
艺术理想的本质在于这样使外在的事物还原到具有心灵性的事物,因而使外在的现象符合心灵,成为心灵的表现.（黑格尔）
而在 现代 社会,有些想借艺术平步青云的人,总是在思考着画什么,什么样的画才可以出名的 问题 .这种画缺少对艺术的真诚,缺乏那种能打动人的真实情感.这种人实际是在究研成功之路,而非 研究 艺术本身.画油画重要的不在于你画什么样的内容,内容只是作为一种载体来表达你对生活的种种感悟,对生活的态度.社会在不断 发展 ,我们的认识也在不断变化.绘画就是在记录这种变化,就像写日记一样,记录着对生活的理解,自己的感受,画自己感兴趣的,最激动人心的.其实可画的内容很多,关键在于能真实的反映生活,反映自己的真情实感.
画画,最痛苦的莫过于心中有了灵感的火花,却无法把这种感动表现出来.黑格尔有名话很形象：“艺术家常遇到这种情形,他感到苦闷,但是由于把苦闷表现为形象,他的情绪的强度就缓和了,减弱了.甚至在眼泪里也藏着一种安慰.”绘画有时是一种情感的宣泄.
绘画是一种视觉艺术,是现实生活在画家头脑里的反映的产物.这种反映不是机械被动地照搬生活,而是一种高于生活的再创造.绘画创作是具有强烈个性和情感色彩的精神劳动,是生活与心灵碰撞之后激发出来的情感流露,绘画作品是通过形象和技法手段传达作者感情思想以及审美理想的载体.
吴冠中说过：艺术家是最憧憬美的一群人.艺术家的天职就是要将自己血液中携带的,对人类的命运,前途那一缕淡淡的哀愁表现出来,感染他人引发思考.
而我描绘生活在城市边缘人的印象,通过自己的视角观察体验 时代 的发展变化,用形象揭示人性中最善良,最质朴,最美好的一面.我深刻地感到他们有一种贴近我的心灵,伴随着我的呼吸的东西.具体说不清是什么,也许是一种感动吧!但他永远吸引着我,打动着我内心深处.

参考 文献 ：
[1]《艺术的真谛》〔英〕赫伯特.里德著 王柯平译, 中国 人民大学出版社.
[2]《美术社会观――当代美术与公共文化》 邹文著,人民大学出版社
[3]《历代名画记》研究 袁有根著,北京图书馆出版社
[4]《艺术 分析 与美学思辩》 何新著,时事出版社.
[5]《美术概论》 高等 教育 出版社
[6]《吴冠中速写意境》广东人民出版社
[7]《李玉昌言谈录》 《中国油画》1997年第3期
[8]《情感的寄托》 《中国油画》2003年第1期

个人裸体艺术写真168（七）:

我国四大名绣是哪四个?

中国四大名绣 以苏州为中心包括江苏地区刺绣品的总称,苏绣作品的主要艺术特点为：山水能分远近之趣；楼阁具现深邃之体；人物能有瞻眺生动之情；花鸟能报绰约亲昵之态.苏绣的仿画绣、写真绣,其逼真的艺术效果是名满天下的.“平、齐、细、密、匀、顺、和、光”八个字是它的绝佳写照. 粤绣广东地区刺绣品的总称.主要有衣饰、挂屏、褡裢、屏心、团扇、扇套等绣品.在艺术上,粤绣构图繁密热闹,色彩富丽夺目,施针简约,绣线较粗且松,针脚长短参差,针纹重叠微凸.常以凤凰、牡丹、松鹤、猿、鹿以及鸡、鹅为题材.粤绣的另一类名品是钉金绣,金碧辉煌,气魄浑厚. 蜀绣亦称“川绣”,指以成都为代表的四川刺绣.蜀绣的纯观赏品相对较少,以日用品居多,取材多数是花鸟虫鱼、民间吉语和传统纹饰等,颇具喜庆色彩,绣制在被面、枕套、衣、鞋及画屏.蜀绣用针工整、平齐光亮、丝路清晰、不加代笔,花纹边缘如同刀切一般齐整,色彩鲜丽湘绣以湖南长沙为中心的刺绣产品的总称.湘乡的特点是用丝绒线绣花,其实是将绒丝在溶液中进行处理,防止起毛,这种绣品当地称作“羊毛细绣”.湘绣也多以国画为题材,形态生动逼真,风格豪放,曾有“绣花花生香,绣鸟能听声,绣虎能奔跑,绣人能传神”的美誉.

个人裸体艺术写真168（八）:

个人裸体艺术写真168（九）:

个人裸体艺术写真168（十）:

如何使你的照片主题鲜明,主体突出?

如何使你的照片主题鲜明,主体突出是摄影的一个很重要的问题.摄影是造型艺术,造型就要主题鲜明,要想主题鲜明,有时就要主体突出.即使在风光摄影中,虽然不像纪实或人像那样有一个很指向性的主体,但是仍然有一个相对比较突出的主体或主体群,这样你的摄影才能表达的鲜明生动.造型造型,营造有型的事物,营造就是布局和构图,本文主要从构图、用光、影调、光调、色彩等几个方面进行总结,难免有个人偏见,请批评指正.
一、构图所谓构图,就是对镜头内的景物进行组织安排布局.主要取决于摄影的角度、视点、取景范围等.角度视点主要取决于观看事物时摄影者与景物之间在三维空间的位置关系,比如距离多远、高度多高、方向如何等,这是观察事物和摄影的最基本的问题,也就是抢占有力有利的地形.视点角度方向确定了,接下来就是选取镜头取景范围,也就是选取事物的哪一部分,突出事物的哪一方面.这不仅取决于镜头的焦距,有时也会因为摄影环境的开阔与否.摄影环境开阔,取景的自由度就高,反之就会低.关于怎样选取视点问题不做详细讨论,重点讨论一下如何在镜头内布局景物,就像如何在画布上作画一样.
我个人认为,不论你选择景物的那个侧面,都要选择这个景物在这个侧面的最有特点的部位进行表现.一个景物或事物,不管在什么方向上都会有一个最为生动形象的特点,把这个事物在这个方向上的特点表现出来就达到了造型的目的.其次,任何事物或者景物都有所谓的前后左右的方向问题,至少在你观察的位置上或者约定俗成的会有一个这样的方向问题.比如人,我们把面部朝向作为正面,就会分为正面、侧面、后面、上面、下面等.细分就会出现作前侧、右前侧、左后侧、右后侧等,俯视、仰视、还有前俯、后俯前仰、后仰等.
构图上最基本的构图方法有几何中心构图法和黄金分割点的“井字”构图法.几何中心构图法就是将主体安排在画面的中心位置,这种构图方法主要运用在具有左右、上下几何对称的主体事物当中,例如具有左右上下对称的建筑等构图中,一般左右对称的往往将主体安排在左右的中心点上,上下对称的主体安排在上下的中心点上.“井”字构图也就是根据主体的朝向将主体分别安排在“井”字的四个黄金分割点上.这两种构图是传统的基本的构图方法.由于黄金分割构图比较普遍,有时在拍摄具有对称的主体上也会运用上,比如,一个主体时左右对称有时会将主体或者主体重的主要表现部分即视觉重点（有时又叫视觉趣味点）安排在左右的中心偏上偏下的某个黄金分割点上,上下对称的主体或视觉中心也是如此.这两种构图是比较传统的具有内敛性质的构图基本方法.除了对称以外,还有平衡构图,就是主体和陪体在画面布局上看上去会感到左右重量的平稳,上下的平衡,给人以四平八稳的感觉.
拿人作为主体进行举例,我个人的做法是,将人放在一个立体的空间中,这个立体的空间是一个圆柱型的空间,在这里我只考虑左右的关系,上下的关系可以参照左右关系进行变通.这个圆柱以画面的中心为中心,以到左右黄金分割点为半径,一个站着的人则假想他在圆柱的边缘上,面部是向着圆柱中心轴的,当他面对你是不同的方向性时,可以考虑是他在圆柱上转动到不同的位置,正面对你和背对你的时候可以假想成是圆柱将人转动到这个位置,所以构图的时候人会在中心位置,当人是左或者右侧面的时候,人的面部正对画面的中心轴上,这样圆柱就将人转动到最左边或最右边,当人是左右前侧身看着你的时候,就假想是圆柱将人转动到了与你形成的这个位置,人的布局就要多少相中心位置偏移,这样相对就会感觉平稳和平衡.人的正面对着你越大越接近中心轴,最大值就是正对你,正面对着你越小,越偏离中心轴,最大值就是完全侧身对着你,在圆柱的左或者右的边缘上,也就是黄金分割点上.
这只是自己的个人构图方法,有时在拍摄过程中有时是不能完全遵照这种原则的,有时会因为主体的动作视线等好多因素进行综合考虑,大多数情况下只是大体上遵循这样的原则.这是单个人作为主体事物的时候,别的方面风景等构图可以参考这种构图方法灵活运用,而且主体或者主要视觉中心不同,构图的方法也会不同,比如我们拍人的全景的时候可以遵循这种原则或方法,如果是近景或者特写,则表现的主体或重点就不再是人而是人的表情或者人的人的眼神,因此这只是个人的一般的方法.当拍摄主体和重点不是单个而是有主体有陪体的时候就要将主体与陪体考虑进去综合布局,这样这个假想的圆柱就不再遵循黄金分割的位置关系,这要靠自己的感觉进行确定和安排.以上主要考虑和说明的是传统构图中最基本的两个构图方法,除了对称、平衡、黄金分割“井”字构图外,还有很多种,诸如：环形、S形、三角形等,除了对称平衡关系外,还有陪衬、对比、呼应等关系等,这些都是传统构图中比较注重考虑的布局和关系.
传统构图主要是这种内敛式的追求画面对称、平衡、平稳的感觉,画面内部的景物之间,景物与环境之间形成一种和谐.整个画面看上去是一个完整的自成系统的世界.这样的构图我们称它为传统的保守性构图.与保守性构图相对的就是开放性构图,所谓开放性构图,就是,在构图上打破传统中那种追求对称、平稳、平衡、自成一体、自成系统的构图方法,追求画面内部与外部的交流,画面空间是开放的,就是将欣赏者的个人感受和想象空间考虑进去的一种构图方法.这种构图强调了画面世界与画外世界的相互关系,强调了画面与欣赏者的互动关系,考虑了欣赏者的参与权利和参与意识,这是最近艺术理论人性化的表现.文艺理论中接受美学认为,一部艺术作品是在欣赏者参与以后才算作品的最后完成.欣赏者的欣赏水平、趣味不同,就造成了作品的内涵的不同,因此作者不能将自己的欣赏趣味和价值强加于欣赏者,不能强制欣赏者接受作者所表达的趣味和价值,要求将作品交给欣赏者去解读和重构,因此,开放性构图往往将主体与观众、画面空间与现实空间的关系考虑进去进行创作,形式上往往不遵循传统构图的对称、平衡、平稳,追求一种自然的未加主观干预的状态.表达的主题往往指向性不强,主题思想具有多义性、模糊性和含蓄性等.
因此构图是摄影中非常重要的方面,是统领其他表现元素的主帅,是灵魂因素,几乎所有的其他表现元素都是与构图发生联系才能表现.所以说,构图是摄影中最根本的、也是最基础的,因此要想使你的摄影主题鲜明,就必须在构图上下功夫,使摄影主体或重点更加生动突出.一幅摄影作品,如果构图有鲜明的特点,而其他因素相对较弱,也会使你的摄影具有艺术的美感,如果其他艺术因素与构图相得益彰,那么则会使你的摄影作品会锦上添花,登上艺术殿堂的宝座.所以,构图是摄影的关键.

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